昨夜は東京都現代美術館でのレベッカ・ホーン展内覧会並びにレセプションに行ってきた。僕がレベッカの作品に初めて出会ったのは、１９８７年ドイツ・ミュンスターでの野外彫刻プロジェクトの時である。・・・・・今尚あの衝撃は忘れない。あれから２０年。彼女の個展は９３年グッゲンハイム美術館での大規模な展覧会を含め３・４回は見てきたことになる。・・・・・そしていよいよ日本上陸。
ドイツの現代美術を代表するレベッカは、７０年代より身体機能の拡張というコンセプトから独自の装置を使いパフォーマンスを展開。包帯や羽の素材で特殊な衣装や器具を制作し、身体の自由を拘束したり、体の一部を延長することで、肉体の苦痛や限界を表現してきた作家である。制作の動機、また作品の背景には、かつて第二次世界大戦でナチスが犯した罪、その治癒する過程を作品に移入することや、ユダヤ人虐殺の考えを変換する意味が込められているのだろう。いずれにしても、彼女の作品は常に人間の肉体・精神の苦痛と無関係ではないのだ。
レベッカのキネティックは、昨今メディアアートの「動きます・楽しければよい」という参加型エンターテイメントのデザイン表現とは１８０度異なるものである。
彼女はレセプションの席で我々に対し、「今回の展覧会は、私の集大成的なものであり、観客の方々にはこれまでの私の精神世界を旅してもらいたい。・・・・・ただ、今日のように大勢の中ではなく、なるべく人の少ない時に・・・・・。」 尤もである。
Date : 2009.11.02 Mon
11:48
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「恋の丸ビルあの窓あたり、泣いて文書く人もある。ラッシュ・アワーで拾った薔薇を、せめてあの娘の思い出に、テケテッテテ・・・・・」 西条八十
「丸ビルが建った当時は、すばらしく大きな様式の建物が東京駅前に建ったという感じがした。私はまだ建ち終わらないうちからホトトギス発行所にその一室を契約した。」 高浜虚子
「楠の事務所は丸ビルの６階にある。ビルディングの出口に近い花屋には季節の花がゆたかに売られている。薔薇がある。ショウブがある。ひなげしがある。グラジオラスがある・・・。」 三島由紀夫
「しかし、桐子は女代議士にはならないで、丸の内のサラリーガールになったのである。今や二十二歳の、いわば娘盛りの・・・・・」 源氏鶏太
「東京駅を降りてその広場に立った時、丸ビルを中心に巨大なビルディングが、空高く一直線に切っているのが何となくアメリカを思わせる。アメリカを思わせるのも道理、それらの巨大なビルディングには、近代の高速度な商業が、金融が、アメリカ式資本制度のなかに動いているのである。」 今和次郎
これらの文章は、旧丸ビルが近代日本文学のなかで小説や詩の舞台として描かれてきたものであり、いかに旧丸ビルが人々の心を惹きつけ愛されて来たかが伺える。常に時代の先端をいき、日本の文化やビジネスシーンをリードしてきた丸の内。・・・・・そしてその代名詞であった丸の内ビルディングが２００２年に生まれ変わることとなる。
丸の内の顔として知られる旧丸ビルは、１９２３年竣工の日本初近代的オフィスビルとして米フラー社の最新施工技術の導入により建設された。当時としては先進的な構造形式・建築様式をとりながら、公衆へも文化的パブリックスペースとし開放し、さらに時代を先取るテナント構成は、これまでにないビジネスコンセプトとして反響を呼ぶことになる。その後も高度経済成長期を迎え、時代と共に東京の景観が移り変わる中、日本の先端的オフィスとして国民に親しまれ続けてきた。
その丸ビルが８０年余りの歴史を経て、１９９９年、老朽化から建て替えられることとなる。そして解体工事の際、地中から５６００本もの松杭が発見された。それらはビルを支え続けた土台柱であり、地下２０メーターまで打ち込まれた杭だが奇跡的にも腐食一つしていなかったのである。
新たな丸ビルを建設するにあたり、屋内空間を彩るための建築と芸術が一体となるパブリック・アートプロジェクトが組織計画された。そのコミッティメンバーには英国からヴィヴィアン・ロベール氏、米国からジャネット・コプロス氏、そして現在ロンドン在住の建築家・川上喜三郎氏が参画し、三菱地所設計、現代彫刻センターのスタッフと共にアメニティあふれた知的創造空間実現のためのコンセプト作成、さらに作家選考が行なわれた。
「建築とアートのインターフェース」として選ばれたアーティストは６名。イタリアからジャンパオロ・バベット、イギリスからスザンナ・ヘロン、シェイラ・ウェイクリー、川上喜三郎、アイルランドからコーバン・ウォーカー、日本から土屋が参加させていただくことになった。
プロジェクトに際し、僕は解体時に出土した松杭を作品素材とすることにした。かつての旧丸ビルを構造的に支えてきた杭を利用することは、建築的歴史性にとどまらず、旧丸ビルと共に生きてきた人々の時代性・時間性を表現することであると考えたからである。
長さ１６メーターの松杭二本にアートという新たな役割を与え、その一本はブロンズ製の松杭として、旧丸ビルの面影を復刻した正面エントランス部分に、新丸ビル竣工から未来にかけての年号、２００２年から２１００年を刻み垂直に立てた。もう一本はオリジナルのまま特殊樹脂でコーティングし、ブロンズ製松杭の足元から直線的に床に埋め込まれたガラスケースに影のよう収めた。そしてこのオリジナル杭には、旧丸ビルの竣工から解体まで、過去の年号である１９２３年から２０００年を刻んだ。
都市の風景を想う時、慣れ親しんだ構造物が解体されることは、同時にその地域のアイデンティティの一部が失われることでもある。建築の基礎材としての松杭を敢えて記憶の証人としてエントランスに提示したことは、土台柱から連想する建築のスケールや想起する建物のイメージと同様に、杭に刻まれた年号は、必ずや対峙する本人が生きてきた時間や時代の記憶を留めさせることにも繋がると考えたからである。建物が建て替えられ、その周辺の風景が一変されることで遠のく記憶の断片を留め置くことは、その場と関わり生きてきた人たちの重要な「生の証」を確認する行為とも連続するのではないだろうか。この作品は、時代と共に薄れ行く街の記憶や人々の記憶に対し、アーティストとして何が出来るかを考えた結果であった。
２００７年、さらに「新丸ビル」も完成し、丸の内界隈は急速に変化をしている。そんな時代にあって、「Ｍの記憶」が佇む丸ビル・エントランスだけは、８０年前と同じ時の流れを感じさせ、歴史や時代を今に語り継ぐ空間であってほしいと願っている・・・・・。
Date : 2009.09.27 Sun
08:18
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今年も昨年に引き続き、武蔵野美術大学建築学科とチェルシー美術大学スペースデザイン科による合同ワークショップがロンドンを舞台に行なわれた。今回のテーマは「食・料理・食べること」。この人間にとって日常的且つ重要な行為を、文化・習慣・儀式を通して、アートや空間、デザインの観点から調査・研究するプログラムである。
本来ワークショップとは、集団における関係性の中で、何か新たな創造を生み出す為のワーキング・セッションを意味する。この集まりは一時的なものにして、まずは他者と集団を意識することに始まり、多様な差異を感じながら相互間のコミュニケーションを図りつつお互い刺激し合うことが求められる。特に美大生が対象となるワークショップにおいては、アクションや知覚が従来の教育という先入観から解き放たれ、これまでとは異なる発見や経験、共感が集団の中で共有されるのである。
さらにこのワークショップの目的は、参加学生が公共的な場で、テーマに沿いながら個々のプランをかたち作るのではなく、学生たちが共にイメージプランを出し合い、その構想を全体でより明快なものにするために調査・フィールドワークを重ね、最終的にはいくつかのプランに結実させながら、そのプロセスも開示し、チームとしての計画を何らかの媒体で表現していく、その為の実践にある。
ロンドンでの多国籍学生による合同ワークショップでは、様々な価値観の違いに始まり、個人のこれまでの常識をどこかで疑わなければいけないこともあるだろう。言葉の壁とも向き合い、その中で微かに自己表現を保ちながら、しかしその表現すら個人から離れ、どんどん変えられていくことにもなるだろう。ただこの可変的なところが国際交流ワークショップの魅力であり、最終的に結実された表現は、小さな個人を飛び越え、より多くの人が共有できる表現としての可能性を持つのだ。さらにそのプロセスは他者と自己の差異を発見し、自己を客観的に見直すことを通して、新たな自己発見へと繋がる可能性を生み出すのではないだろうか。
今回のワークショップは、５〜６名の学生がそれぞれ４つのチームに分かれ「食」というテーマでロンドン市内に点在するマーケット（市場）や、レストラン、パブ、カフェ、パブリックスペース、ストリートフードなどをリサーチした。ロンドンはコスモポリタンな都市である。チャイナタウンやインディアン街、アラビックやグリークなど、文化的にも多様なエリアが複数あり、学生たちは精力的に調査活動を行なった。大学内では、今年もチェルシー美術大学の全面的な協力をいただき、スペースデザイン科主任ケン・ワイルダー氏を始めとし、講師の長谷川貴子さん、アーティストのKristina Kotovさんから、各グループは適切なアドバイスを受けながらディスカッションやスタディを重ね、最終日の講評会に向け制作を行なっていった。
ここで各チームのプレゼンテーションに触れるのだが、今回の特徴として、ワークショップのテーマが「食」ということから、４チームともその表現手段がパフォーマンスという形を採った。これはやはり「食」という行為が如何に身体的表現に直結しているかの現われであった様思う。まず「The Camouflaged Table／New Picnic Experience」と題したチームは、イギリスにおけるピクニック文化の調査に始まり、英国人の公園など野外公共空間での食体験をユーモラスさも交え表現したもので、芝生から突然テーブルが出現し食事がスタートするパフォーマンスは、ギャラリーの笑いも誘うユニークな発表であった。次に「We are all Prisoners of Food」と題したチームは、食事の際の不都合や不具合を考察するパフォーマンスで、同じ食べ物を自由な空間で食べることと、刑務所という束縛された特殊な空間で食べることの違いについて、食事とその環境の関係性を実践的に検証する内容であった。次に「The Floating Feast」と題したチームは、食に関する歴史的・文化的背景の不確実性を、ヘリウムの入ったバルーンを使い、浮遊する祝宴のイメージとしてパフォーマンスで演じて見せた。最後に「Holeday Hoｌiday」と題したチームは、食事が地域コミュニティのアイデンティティー形成と深く関わっていることの実践として、仮想の祝日「ホールデー（穴の日）」をつくり上げ、この特別な日は、すべての食べ物に穴を開けお祝いするパフォーマンスを実験的に行なった。
各グループのプレゼンテーションはオリジナリティー溢れるものであり、学生たちの伸び伸びとしたパフォーマンスには、会場となった大学キャンパスコートに笑いが絶えなかった。
グループワークの実践とは、作品や表現手段がどのようなものであれ、共同作業を通じてコンセプトや方法論を明解にすることで、個人の役割や考えを意識化しながら共有して行くものである。表現活動がより社会に開かれて行く現在、新たなるコミュニティの場としてのワークショップは、今後益々必要とされるプログラムであろう。
昨年春、初の試みとして行なわれた国際交流ワークショップも、今夏新たなテーマで二回目を向かえることが出来た。今後もこのプロジェクトが生きた国際交流、また他大学との共同による社会的実践、さらには多様な芸術創造を図る新たな人材育成に繋がることを心より願っている。
末筆ながら、合同ワークショップ実施にあたり多大の支援をいただいた武蔵野美術大学国際部、並びにロンドン芸術大学チェルシー・カレッジ・オブ・アート・アンド・デザインの関係者各位に、心より感謝いたします。
Date : 2009.08.16 Sun
16:33
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サイト・スペシィフィックなアート作品が、自然の中で展開されるようになったのは１９７０年代。当時アメリカのアースワークのアーティストやイギリスの自然派アーティストたちは、野外に広がる雄大な風景の中に身お置き、これまでとは異なるアプローチでアート作品を創造し、やがてこの動きは世界に広がり、アーティストはさらにその場所の持つ歴史・風土・記憶といった文化的特性や潜在能力を引用しながら、社会性も含め表現の可能性を見出してきたのである。
近年国内でも「大地の芸術祭／越後・妻有トリエンナーレ」を筆頭に、各地で野外アート展が開催されているが、これらの動向もやはり７０年代に始まるサイト・スペシィフィックなアートプロジェクトが原点と言えよう。
今夏「大地の芸術祭」と姉妹展に位置づけられる国際美術展「水と土の芸術祭２００９」が新潟市で行なわれることとなり、ここでも国内外から約６０名のアーティストが参加し、ランドアートを中心に「場」と関わるダイナミックな野外アートが市内各地に制作設置された。
信濃川と阿賀野川、この二つの大河が流れる新潟市の歴史は、まさに水と土との闘いの歴史と言っても過言ではない。繰り返される洪水と共に生きてきた新潟市民にとって、「水」の記憶、「土」の匂いは、苦い思い出でもあり、様々な記憶を内包した追憶でもあるのだ。
今回この「水と土の芸術祭」参加にあたり、僕は武蔵美建築学科・土屋スタジオ卒業生である田原唯之、木村恒介に声をかけ、ユニットとしての土屋公雄ＡＰＴ（アート・プロジェクト・チーム）を結成することとした。彼らは卒業後も積極的に制作活動を展開しているアーティストであり、さらに、これまでの僕の「場」に関わることで成立する作品制作姿勢に共感し、お互いが協調しながらサイト・スペシィフィックなプロジェクトに立ち向かえる同士だと思えたからである。もちろん彼らとは師弟関係を超え、個々が刺激し合える関係であり、僕がこれまで作家として得てきた現場経験や制作プロセスを、伝えておきたい若きアーティストでもある。特にコミッションワークにおいては様々なノイズや、複雑且つデリケートな問題が立ちはだかるのだが、それらは大学という教育の場で伝えられるものではなく、唯一「現場」こそ、アクチュアリティーある「場」として、伝え理解し得る「場」なのである。
昨年秋より数ヶ月間、新潟市内に点在する「潟」（湖）をリサーチし、その後、市街地より南西に車で一時間ほどの上堰潟に辿り着いた。そこはまさにイギリス北西部に位置する湖水地方にも似たピクチャレスクな場所であり、「潟」の背景となる標高約５００メーターの角田山は、さらにこの地をワイルドな風景に演出し、今回の「海抜ゼロ」プロジェクトを成立する為に最適な環境であった。
「海抜ゼロ」プロジェクトとは、「潟」の淵から湿地の水の中へ、約１８メーターの鉄製通路で分け入り、その先端部分で水際を視界で捉え、海抜ゼロの世界を身体で感じる作品である。多分この感覚は水泳の際、水面を眼の高さで捉えた感覚に近いものがあるだろう。さらにその視界の先には角田山が広がり、１８メーターのアプローチは、陸地エントランス部分から先端の水面へ、そして角田山の懐へと意識を連続させることになる。
プロジェクトは連日雨の中、「潟」に流れ込む水位との闘いであり、水を塞き止める為の矢板打ち込み作業は予想以上にてこずったが、７月２９日、作品「海抜ゼロ」は無事完成した。これまで何度となく経験したことだが、作品制作のプロセスが困難であればあるほど、完成時の喜びは一際である。（今回工事に携わっていただいた関係者の方々には、心よりお礼申し上げます。）
新潟での「水と土の芸術祭」を皮切りとした土屋公雄ＡＰＴだが、建築やアート、ランドスケープを領域横断的に捉えた視点で、今後も様々なジャンルのクリエーターとユニットを組みながら、サイト・スペシィフィックなプロジェクトを展開して行くつもりである。
最後に、今回「海抜ゼロ」プロジェクトと平行しながら、新津美術館でのインスタレーション「水の記憶」制作では、武蔵美・土屋スタジオから在校生・卒業生が多忙の中応援に駆けつけてくれた。彼らにも心から感謝したい。・・・・・ありがとう。
Date : 2009.08.03 Mon
21:11
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�機ザ�い影響を与えたものについて。
学生時代に出会った夏目漱石に強い影響を与えられたと思います。彼の「倫敦塔」の中に「世の中に何が苦しいと云って所在のないほどの苦しみはない」というくだりがあります。ここでいう｢所在｣とは人間の心の奥に内在した場所を意味するのですが、それがない人間が人として一番悲しいと、漱石は言っているのです。
当時、この言葉に出逢った僕は海外に留学しており、日本という国（歴史・風土・民族・文化・宗教）について、さらに己のアイデンティティーの問題について考えていた時代です。僕にとって、この「所在とは」の問いかけは重く脳裏にのしかかり、以降僕自身が作品を作る上での動機付けとなって行きました。
�供ヂ嵯匹垢訖擁�について。
「夏目漱石、植村直巳、リチャード・ロング、戸谷成雄」
夏目漱石からは「所在」について、「自分とは何か」について疑問を持つことを教わりました。生きることの意味は、誰かから与えられるものではなく、生きることの意味の発見は、自分自身の価値観を持つことを意味し、何が自分にとって一番大切なものかを見つければ、他者や無限の情報から振り回されることもなくなるでしょう。ただ自分の存在について疑問を持つことは最も困難で勇気のいることだと思います。
植村直巳とリチャード・ロングからは「歩くこと」を学びました。人間どんなに迷っても、どんなに不安でいても、歩いていればどこかに着く。誰かに会える。歩かなければ誰にも会えず、どこにも行き着けないのです。特にロングからは、歩くことは生きることであり、生きることは表現であることを教わりました。
戸谷成雄からは「彫刻、そして闘いとしての制作」について学びました。学生時代建築を学んだ僕にとって彫刻は遠い存在だったのですが、これまで数々の展覧会にご一緒させていただき、その現場で「彫刻、そして制作」についてさまざまなことを教わりました。彼の言葉は、現在の作家としての自分を支えるものとなっています。
�掘セ廚て�れの深い書物１〜３冊。またその理由。
夏目漱石文学 「心、それから、草枕、明暗、その他」
今尚夏目漱石は国民的作家として愛されていますが、彼は決して「青雲の志」のようなものを描いた作家ではありません。彼は文明というものをシニカルに見つめ、文明が進むほどに人間は孤独となり、救われがたくなっていくことを案じていました。やみくもに前進する世の中に距離を置きつつ、その時代の本質を見つめながら人間の内面世界を描いた作家です。彼の小説の多くは自我の問題について書かれています。中でも「心」には深い共感を覚えました。
�検ズ酩福�制作活動について、どのような存在であるか。
漱石とは僕にとって、「所在」「自我」について疑問を抱かせた人物です。「所在」「自我」について説明することはなかなか困難なことですが、簡単に言ってしまえば「自分とは何者なのか」を自分自身に問う意識と言えるでしょう。ただこれは自己中心の考えから見つけられるものではなく、他者との関係性、或いは自己の客体化としての表現によって見えてくるものだと思います。従って僕の作品・制作活動は、自分に出会うための行為であり、自分自身の所在探しなのです。
現代の我々は、世界的な巨大ネットワークによって毎日大量の情報を洪水のよう浴びています。現代人が一日に受けるイメージの量は、中世の人が一生かかって得たイメージの量に相当するやも知れません。膨大な情報を前に「自分とは何か」を見つけることはたやすいことではありません。従ってこの体験なき情報化の時代だからこそ、世界を水平に見るのではなく、個々を垂直に見る座標軸が必要とされるのでしょう。漱石は常にこの問いを、僕に投げかけているのです。
�后シ歛臉犬�
芸術とは、人間の魂の抵抗の最後の砦だと思っています。ただ芸術が世界を変え、世界を救えると言っているのではありません。少なくとも人間の内にある人間性というものを救うことはできると信じています。常に我々芸術に携わる者には、堅くて大きな壁が幾重にも立ちはだかります。それは歴史的な壁であり、孤独と創造の壁であり、経済という壁です。これらの壁を通過するには、自らが傷つき打ちのめされることも覚悟しなければなりません。まして今の世界は、バーチャルなイメージが現実を覆いつくし、芸術はサブカルチャー化し、日常世界にとろけ出してしまっている状況の中で、かつての「大きな物語」としての美術の規範が我々を支えてくれるわけでもありません。我々は今、新たなる価値を見つけ出す為にも耐えながらこの現実世界を直視し、自己の内面を見つめることで新たなる旅に出るしかないのです。
Date : 2009.07.01 Wed
08:49
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